“Mi pincel fluye como agua surcando el lienzo sin tregua; es el registro de una coherencia donde mi carne frágil y el tiempo se revelan, por fin, humanos.”
“Registro la memoria íntima no como nostalgia, sino como un acto de resistencia y presencia en un mundo que intenta borrarnos.” — Siamgodh
Documento la vida en sus grietas y en sus destellos, allí donde la materia se rinde ante el espíritu. Para mí, el lienzo no es un soporte, sino un laboratorio fenomenológico donde cada veladura de acuarela opera como una infraestructura de la conciencia.
Siguiendo la sabiduría del Ma (間) —el intervalo sagrado de mi herencia japonesa—, mi obra no busca imponer formas sobre el blanco, sino cultivar el espacio necesario para que la esencia aparezca. En mi práctica, el blanco del papel deja de ser vacío para convertirse en una sustancia conectiva: la arquitectura invisible que permite que los cuerpos respiren y se reconozcan en su sagrada fragilidad.
Inspirada en la «Matriz Fragilizante» de Bracha Ettinger y la «Carne del Mundo» de Merleau-Ponty, entiendo la pintura como un borderspace (espacio-frontera). No busco sanar heridas, sino producir subjetividades compartidas. En mis transparencias, el dolor, el desarraigo y la pérdida no se superan: se transmutan en capas de luz que revelan nuestra integridad. Cada mancha es un acontecimiento espacio-temporal; un diálogo fluido donde el pigmento decide dónde habitar y el agua dicta el ritmo de la memoria.
Archivo vivo de la memoria íntima: La activación del recuerdo
Mi obra pictórica no es un depósito de nostalgias, sino un dispositivo de activación. Entiendo la memoria como un vestigio vital que no busca ser conservado de forma estática, sino reencendido en el presente. No pinto para preservar un pasado intacto, sino para habitar su fragilidad y permitir que se transmute.
A través de lo que denomino «Registro Vivo», trabajo con los restos emocionales y los recuerdos difusos —lo residual, lo olvidado—. Siguiendo la tesis de Jean-Luc Marion, mi obra se manifiesta como un «fenómeno saturado»: un exceso de luz y transparencia que desborda la mirada del espectador, obligándolo a pasar de la observación pasiva a la experiencia pura. Allí donde lo personal se vuelve huella, el archivo deja de ser un documento muerto y se encarna en la mancha.
Desde la estética del glitch poético y la (metramorphosis) de Bracha Ettinger, celebro la fisura y la interferencia como ritmos naturales de la memoria. En mis acuarelas, la transparencia no solo muestra lo que fue, sino que interpela el presente, creando un borderspace (espacio-frontera) donde el espectador es invitado a ser co-archivista. Al reconocerse en los intersticios de mis capas, el otro reconstruye su propio relato.
En esta práctica, la memoria no es un tema: es materia viva. Se expande y respira en cada trazo, consolidándose como un acto de resistencia frente a la inmediatez digital y el olvido institucional.
Estratos de interpretación de la obra
📎 Dimensiónformal: La arquitectura del intervalo (Ma)
En mi práctica, la estética nace de la relación entre la mancha y el vacío. Siguiendo la filosofía del Ma (間), el blanco del papel no es una ausencia, sino la infraestructura relacional que permite que las formas respiren.
El método: Utilizo la acuarela para diseñar intervalos de tiempo y espacio. Cada veladura es una capa de memoria que construye profundidad sin borrar el pasado, convirtiendo la bidimensionalidad del papel en una arquitectura de la transparencia donde la luz es el material principal.
🧠 Dimensión conceptual: El fenómeno Saturado
Aquí, el registro pictórico no es una representación, sino una huella ontológica. Basándome en la fenomenología de Jean-Luc Marion, presento la obra como un «fenómeno saturado»: un exceso de luz e intuición que desborda las categorías del entendimiento racional.
La visión: Mis figuras no tienen bordes cerrados porque, como sostiene Merleau-Ponty, el cuerpo es un «nudo de significados» que se desborda hacia el mundo. Las transparencias son el ejercicio máximo de coherencia: una forma de mostrar que no hay fractura entre lo que el ser piensa, siente y proyecta.
✋ Dimensión relacional: La matriz fragilizante
Mi gesto artístico es una invitación a la co-fragilidad. Siguiendo la teoría de la «metramorphosis» de Bracha Ettinger, el lienzo se convierte en un borderspace (espacio-frontera) donde los límites del yo se vuelven porosos.
El Aporte: No busco imponer mi voluntad sobre el agua, sino fragilizarme con ella. La obra es un dispositivo de co-archivismo: yo registro la huella inicial, pero es la mirada del otro la que completa el sentido. Al habitar mis transparencias, el espectador deja de ser un observador externo para convertirse en parte de la carne del mundo, reconociendo que nuestra vulnerabilidad compartida es la alquimia más poderosa de conexión.
🔍 Síntesis Creadora: La Imagen como Documento Vivo
En mi universo visual, la imagen deja de ser un objeto estático para convertirse en un archivo abierto y en mutación. El registro no es solo mi tema, es mi método de existencia: cada obra es un testimonio plástico que convoca al espectador a decodificar, reconstruir y proyectar su propia narrativa sobre el papel.
Mi práctica no intenta representar el mundo, sino reconfigurarlo desde una memoria encarnada. A través del isomorfismo entre el fluir del agua y el fluir de la conciencia, convierto el trazo en una evidencia ética y política. El resultado es una estética crítica que transforma el arte en memoria activa: un encuentro donde la transparencia del material revela, finalmente, la integridad de nuestra propia historia.
Transmaterialidad: El Registro más allá del Agua
Mi investigación sobre el Ma (intervalo) y la coherencia del ser no se limita a la acuarela; se expande hacia una transmaterialidad donde el concepto dicta el soporte. Cada material es una nueva forma de interrogar la realidad:
- Óleo y Acrílico (Densidad y Resistencia): Utilizo la pintura matérica para explorar los estados de mayor opacidad y resguardo. Aquí, el gesto se vuelve cuerpo, y las capas de óleo funcionan como sedimentos de una memoria que se niega a ser borrada, otorgando a la obra una presencia táctil y telúrica.
- Instalaciones y Relieves (Arquitectura del Espacio): Mi trabajo se desplaza hacia la tridimensionalidad mediante el uso de metales, PVC y relieves. Estas piezas actúan como prótesis de la percepción que intervienen directamente en el espacio físico, obligando al espectador a recorrer la obra y habitar el intervalo de manera somática.
- Acrílico Transparente (La Luz Pura): El uso de soportes transparentes me permite llevar la «coherencia ontológica» a su estado más radical. Al trabajar sobre acrílico, la obra deja de tener un “fondo” para integrarse totalmente con el entorno. La luz atraviesa la pieza sin obstáculos, materializando la idea de un ser que no oculta su historia y que permite que la mirada lo atraviese, revelando una transparencia total.
Obras destacadas
Biografía de Syl: La convergencia de dos mundos
Mi identidad es una cartografía de contrastes. Habito la frontera invisible donde el rigor contemplativo de mi herencia materna japonesa se encuentra con la fuerza telúrica de mis raíces peruanas. Esta dualidad define mi búsqueda del Ma (間): ese intervalo sagrado donde el silencio y la materia dialogan.
Nací y crecí en Guayana, Venezuela, un territorio de selva indómita donde la naturaleza no se observa, se padece y se celebra. Mi sensibilidad temprana fue moldeada por el estruendo de los saltos de Cachamay y la Llovizna, y por ese vapor constante que difumina los bordes del mundo. Crecí entre la arcilla roja, el sol implacable y los atardeceres de un encendido cromático casi violento, elementos que me enseñaron que el color no es pigmento, sino energía viva que atraviesa los cuerpos.
En mi obra, la lluvia tropical se convierte en la fluidez de la acuarela, y el calor de Guayana en la luz que habita mis transparencias. Mi historia es el registro de este cruce: el intento de capturar, a través del arte, la sagrada fragilidad de una existencia que es, al mismo tiempo, selva y silencio.
Esta investigación visual comenzó en la observación silenciosa de aquella naturaleza desbordante. De niña, recolectaba hojas y piedras para descifrar sus matices, una curiosidad taxonómica que prefiguraba mi fascinación por la estratigrafía de la memoria.
Mi primer encuentro con la potencia del símbolo ocurrió con la creación de un «tiburón feliz»: una línea azul y una curva roja que, en su economía formal, ya sugerían la capacidad del arte para sintetizar la alegría. Esta pulsación creativa me llevó a iniciar mi formación técnica a los ocho años, marcando el inicio de un compromiso de vida con la imagen.
En 1989, a los diez años, mi obra habitó por primera vez el espacio público en una exposición colectiva. Aquellos óleos —un paisaje y un equino de geometrías planas— no fueron solo ejercicios técnicos, sino la revelación de que mi voz tenía un lugar en el tejido cultural. Mi formación académica se consolidó en el Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón (UNEARTE). Esos años fueron un laboratorio de cuestionamiento profundo donde el arte dejó de ser técnica para transformarse en una herramienta fenomenológica y un diálogo crítico con la sociedad.
Mi integración en el Círculo de Dibujo de Caracas y en la Asociación Venezolana de Acuarelistas me permitió explorar los límites de la fluidez junto a una comunidad de pares. Entiendo la práctica artística como una responsabilidad compartida; por ello, durante 17 años he ejercido la pedagogía como una extensión de mi obra, acompañando a más de 400 alumnos en la cartografía de sus propias habilidades.
Mi colaboración con instituciones como la Embajada Suiza y la Fundación León Carrillo ha reafirmado mi visión del arte como un puente intergeneracional y transcultural. Proyectos como los murales colectivos y las intervenciones con adultos mayores me han enseñado que la creación es un proceso donde las visiones individuales se funden en una conciencia colectiva más vasta.
Mi residencia en Palacios House of Arts (EE. UU.) representó un punto de inflexión ontológico. En el contraste del desarraigo, mis raíces venezolanas y mi herencia mestiza se decantaron en un lenguaje universal que trasciende fronteras geográficas. Actualmente, en colaboración con la Comunidad de Aprendizaje SONRÍA, continúo una investigación artística en constante maduración. Exploro nuevas materialidades que dialogan con la historia y la identidad, bajo la certeza de que cada pincelada es un registro vivo hacia la fragilidad humana.
Exposiciones internacionales.
- 2024 – 2025 —Trienal Internacional de Acuarela en Santa Marta, Colombia, museo San Pedro Alejandrino.
- 2023, enero, participación por IWS Perú por 11 va aniversario.
- 2020 Primera Exposición Virtual: “XXX ANIVERSARIO” De la AVA (Asociación Venezolana de Acuarelistas)presentada en julio y agosto en el Facebook AVA Acuarelistas y luego en octubre Inaugurando el Instagram: @AVACUARELISTAS
- 2018 Exposición Colectiva “HOMENAJE A CARMEN HERNÁNDEZ”, presentada en febrero, en La Sala de Usos Múltiples del Caracas Sports Club, El Peñón, Caracas
- 2016 – 3.ª Muestra Iberoamericana de Arte en Miniatura y Pequeño formato, Museo El Centenario, México.
- 2016 – Expo Houston Museo de las Américas – Galería Heights Art Studio mayo. EE. UU..
- 2015 – IV Bienal Iberoamericana de la Acuarela, Madrid – España.
- 2014 – 2015, XI Bienal Internacional de Acuarela, Museo Nacional de la acuarela “Alfredo Guati Rojo” en México.
- 2014 -Miniprint Internacional De Paraná Argentina.
- 2014 – Exposición RECORDANDO a los DORMIDOS, en Homenaje al mes del Artista Plástico, Ateneo de Guacara. Carabobo – Venezuela.
- 2013 -2014. IV Certamen Internacional de Acuarela, Gabriel Puig Roda, por la Asociación Cultural Amics de Vinarós, España.
- 2013 – 2014, 33rd Mini Print Internacional of Cadaqués. Exposición itinerante en: “Taller Galería Fort” en Cadaquès, Girona, España; “Fundaciò Tharrtsd ÂrtGraficen Pineda de Mar, Barcelona, España; “GalerieL Êtangd Art”, Bages, Francia; “Wingfield Barns” en Wingfield, Suffolk, Reino Unido.
- 2013 -I Bienal de Pintura “Creación de León Castro”, Fundación León Carrillo, Galería Santa Fe, Caracas – Venezuela.
- 2013 – III Bienal Iberoamericana de la Acuarela, en el Museo Casa de la Moneda en Madrid, organizada por la Agrupación Española de Acuarelistas AEDA.
- 2011 – Exposición Colectiva, en Caracas – Venezuela, FUERTE TIUNA, Instituto de Retirados de las Fuerzas Armadas Nacionales.
- 2002, Exposición Luz Continua, Galería Dana por ASOCOP, Caracas – Venezuela.
- Primera expo en 1998, Exposición de pintura Punto Intermedio, Universidad experimental de Guayana, Centro de Arte Alejandro Otero, Edo. Bolívar – Venezuela.